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Cultes ! 10 détournements et hommages qui ont façonné l’histoire de l’art
Citations, inspirations, variations, pastiches… L’histoire de l’art est avant tout une histoire de filiations et d’influences, plus ou moins avouées. La preuve en 10 face-à-face de maîtres !
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Édouard Manet et Francisco de Goya, “L’Exécution de Maximilien” et “Tres de Mayo”, 1868-1869 et 1814
Huiles sur toiles • 252 x 305 cm • 268 x 347 cm • Coll. Kunsthalle, Mannheim • Coll. musée du Prado, Madrid
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John Singer Sargent et Diego Velásquez, “Filles d’Edward Darley Boit” et “Les Ménines”, 1882 et 1656-1657
La plus subtile
Francisco de Goya, Pablo Picasso, Richard Hamilton… Nombreux sont les artistes à s’être appropriés Les Ménines, la plus célèbre toile (et aussi la plus complexe !) de Diego Vélasquez (1599–1660), représentant la jeune infante Marie-Thérèse entourée de ses demoiselles d’honneur (« meninas », en espagnol). Parmi eux, Singer Sargent (1856–1925), qui avait peint une petite réplique du tableau, a sans doute livré l’hommage le plus subtil. Intimiste et onirique, son portrait des filles d’Edward Darley Boit multiplie les références au maître espagnol : l’expression du visage des fillettes, la composition du tableau, le clair-obscur intriguant… Comme l’infante et les ménines, les enfants au regard franc semblent interrompus dans leurs jeux.
Huiles sur toiles • 221,9 × 222,5 cm • 318 × 276 cm • Coll. Museum of Fine Arts, Boston • Coll. musée du Prado, Madrid • DR • © Bridgeman Images
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Marcel Duchamp et Léonard de Vinci, “Mona Lisa, L.H.O.O.Q” et “La Joconde”, 1919 et 1503
La plus provoc’
C’est le sourire le plus célèbre du monde et c’est aussi sans doute le plus détourné ! En 1919, le facétieux Marcel Duchamp (1887–1968) affuble la Joconde d’une moustache et d’un bouc… Attentat contre la peinture occidentale ou simple provocation dada ? Une chose est sûre : en intitulant son œuvre L.H.O.O.Q, (lire « elle a chaud au cul »), l’artiste fait la nique aux traditions. Ni tout à fait femme, ni tout à fait homme, la Joconde de Duchamp brouille les pistes et, surtout, les genres. Mona Lisa, une icône queer !
Ready-made • Huile sur panneau de bois de peuplier • 19,7 × 12,4 cm • 77 × 53 cm • Coll. Centre Pompidou, Mnam, Paris • Coll. musée du Louvre, Paris • © Bridgeman Images • © Adagp, Paris 2019
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Chaïm Soutine et Rembrandt, “Le Bœuf” et “Le Bœuf écorché”, vers 1925
La plus carnassière
Toute sa vie durant, Chaïm Soutine (1893–1943) peindra de nombreuses fois le motif du bœuf écorché, pour lequel il semble avoir une réelle fascination. L’artiste se rend d’ailleurs régulièrement dans les ateliers de Vaugirard, où il récupère des carcasses d’animaux qu’il rapporte ensuite dans son atelier. Ici, il emploie des couleurs franches, qui évoquent la brutalité de l’abattage. La matière est dense, comme si la chair blessée de l’animal était palpable. Dans cette composition à l’expressivité sanguinolente, le bœuf, ainsi suspendu aux crochets du boucher, évoque Rembrandt (1606–1669), qui par un habile jeu de clair-obscur a peint lui aussi en 1655 un bœuf écorché au réalisme cru. Végétariens s’abstenir.
Huile sur toile • huile sur bois • 115 x 66 cm • 94 x 69 cm • Coll. Stedelijk museum, Amsterdam • Coll. musée du Louvre, Paris
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René Magritte et Jacques-Louis David, “Perspective: Madame Récamier de David” et “Madame Récamier”, 1950 et 1800
La plus ironique
Quand l’absurde flirte avec le morbide. Chef-d’œuvre de la peinture néoclassique, le portrait inachevé de madame Récamier, peint par Jacques-Louis David (1748–1825) en 1800, incarne l’idéal de beauté à l’aube du XIXe siècle. Le modèle (et commanditaire du tableau), vêtue à l’antique, était, dans le Paris post-révolutionnaire, une figure d’élégance. 150 ans plus tard, changement de perspective ! René Magritte (1898–1967) réinterprète l’œuvre de David, plaçant sur la fameuse méridienne non pas un modèle féminin, mais un cercueil ! Pied-de-nez néoclassique ou coup de génie surréaliste ? L’artiste belge, tel un prophète, annonce plutôt la mort de la peinture, leitmotiv de l’histoire de l’art qui permet au contraire à ce médium de se réinventer, encore et toujours.
Huiles sur toiles • 60 x 80 cm / 174 x 244 cm • Coll. particulière • Coll. musée du Louvre, Paris • © Bridgeman Images - © Adagp, Paris 2019 / © Bridgeman Images
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Francis Bacon et Diego Vélasquez, “Étude d’après le portrait du pape Innocent X par Vélasquez” et “Portrait d’Innocent X”, 1953 / 1650
La plus torturée
Dans l’œuvre prolifique de Francis Bacon (1909–1992), c’est l’un des motifs les plus récurrents, les plus obsédants. Fasciné par la capacité de Diego Vélasquez à sonder l’âme de ses modèles, Bacon va, tout au long de sa carrière, réinterpréter le portrait du pape Innocent X – peint par le maître espagnol en 1650 –, souvent de manière angoissante, voire effrayante. Dans cette série, le souverain pontife s’agrippe à son fauteuil (une chaise électrique), le visage déformé par un cri… Une expression terrifiante inspirée des nombreux gros plans sur des bouches ouvertes dans le film Le Cuirassé Potemkine de Sergueï Eisenstein (1926).
Huiles sur toiles • 153 × 118 cm • 140 × 120 cm • Coll. Des Moines Art Center • Coll. Galerie Doria-Pamphilj, Rome • © akg-images - © The Estate of Francis Bacon /All rights reserved / Adagp, Paris and DACS, London 2019 / DR
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Pablo Picasso / Eugène Delacroix, “Les Femmes d’Alger” et “Femmes d’Alger dans leur appartement”, 1955 et 1834
La plus cubiste
Dans l’ambiance feutrée d’un appartement aux murs couverts de mosaïques et décoré d’épais tapis, trois femmes se prélassent autour d’un narguilé. Empreinte de mélancolie, cette toile synthétise les fantasmes orientalistes d’Eugène Delacroix (1798–1863). Près de cent ans plus tard, Pablo Picasso (1881–1973), qui revient tout juste d’un voyage au Maroc, rend hommage au chef-d’œuvre du romantique et lui consacre une série de quinze toiles. Le père du cubisme réduit ici les femmes d’Alger à de simples formes géométriques qui s’enchevêtrent et se chevauchent. Les couleurs chatoyantes renvoient quant à elles autant à l’Orient qu’au regretté Henri Matisse, décédé quelques mois auparavant.
Huiles sur toile • 114 x 146,4 cm / 180 x 229 cm • Coll. particulière / Coll. musée du Louvre, Paris • © Bridgeman Images • © Succession Picasso 2019 / © Bridgeman Images
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Martial Raysse et Jean-Auguste-Dominique Ingres, “Made in Japan – La Grande Odalisque” et “La Grande Odalisque”, 1964 et 1814
La plus Made in France
En 1963, Martial Raysse (né en 1936) – figure majeure de la jeune avant-garde française – débute une série intitulée Made in Japan. Les œuvres qui la composent ont un point commun, et non des moindres : ce sont toutes des reproductions en noir et blanc de chefs-d’œuvre de la peinture occidentale, que le nouveau réaliste agrandit, puis peint dans des couleurs détonantes. Il y ajoute parfois une touche d’humour, comme sur ce pastiche pop de La Grande Odalisque de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867), sur lequel l’artiste a collé, en haut de la toile, une petite mouche en plastique. Une réflexion sur l’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique, tout en kitsch et ironie.
Peinture acrylique, verre, mouche, passementerie en fibre synthétique, sur photographie marouflée sur toile • Huile sur toile • 130 x 97 cm • 91 x 162 cm • Coll. Centre Pompidou, Mnam, Paris / Coll. musée du Louvre, Paris • © RMN-Grand Palais - © Adagp, Paris 2019 / © Bridgeman Images
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Andy Warhol et Sandro Botticelli, “Sandro Botticelli, Birth of Venus” et “La Naissance de Vénus”, 1984 • 1486
La plus pop
Des stars d’Hollywood aux objets ordinaires en passant par les icônes de l’histoire de l’art, rien ni personne n’aura échappé à Andy Warhol (1928–1987) ! Preuve en est avec cette sérigraphie qui reproduit un détail de la Naissance de Vénus, chef-d’œuvre de la Renaissance italienne peint par Sandro Botticelli (1445–1510) en 1486. En resserrant le cadrage sur son visage, l’artiste transfigure Vénus en déesse du pop.
Encre sérigraphique sur papier • Tempera • 81,3 × 111,8 cm • 172,5 x 278,5 cm • Coll. particulière • Galeries des Offices, Florence • © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by ADAGP, Paris 2019 / © Bridgeman Images
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Banksy et Jean-François Millet, “Agency Job (Gleaners)” et “Les Glaneuses”, 2009 et 1857
La plus terre à terre
Si l’on est plutôt habitué à admirer les œuvres de Banksy sur les murs des villes du monde entier, le plus célèbre des artistes anonymes, aussi engagé qu’habitué aux coups d’éclats, s’expose aussi sur les cimaises des musées. Preuve en est avec Agency Job, une huile sur toile qui détourne les célèbres Glaneuses de Jean-François Millet (1814–1875), également star des détournements en tous genres. Dans cette version contemporaine, l’une des ouvrières s’est – littéralement – échappée du cadre pour prendre une pause. Assise à même le cadre, l’ouvrière noire fume une cigarette, le regard perdu au loin. Si en son temps Millet cherchait à sacraliser le travail de la terre, Banksy, au contraire, dénonce ici les inégalités qui touchent les populations noires, particulièrement en proie au chômage ou à la pénibilité du travail.
Peinture à l'huile vandalisée / huile sur toile • 150 x 162,5 cm • 83,5 × 111 cm • Coll. Michael Citrone • Coll. musée d'Orsay, Paris
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La plus politique
Juin 1867. Maximilien Ier, empereur du Mexique – placé là par Napoléon III trois ans plus tôt à l’occasion d’une campagne coloniale –, est exécuté avec deux de ses généraux lors d’un coup d’état fomenté par les opposants républicains. Marqué par ce tragique épisode, Édouard Manet (1832–1883) réalise alors cette œuvre monumentale, sa seule peinture d’histoire. La composition n’est pas sans rappeler celle du fameux Tres de mayo (1814) de Francisco de Goya (1746–1828), qui représente quant à elle trois insurgés espagnols fusillés par des troupes françaises à Madrid, le 3 mai 1808. Manet, républicain dans l’âme, affiche ici son opposition au régime, qu’il considère responsable de la mort de Maximilien. Il sera alors censuré par le ministère de l’Intérieur.