Le maniérisme en 3 minutes

En bref

Réaction à l’hégémonie de la perfection classique, le maniérisme est un courant esthétique de la fin de la Renaissance qui envisage une nouvelle représentation du canon hérité de l’Antiquité. Ses principaux représentants, pour le contexte italien, sont Pontormo, Parmigianino, Bronzino, Arcimboldo… Ces artistes ont puisé leur première source d’inspiration dans l’art de Raphaël et de Michel-Ange. Privilégiant l’artificialité, rejetant les lois de la perspective albertienne, ils magnifient l’arabesque, le mouvement, la gestualité au détriment de la pensée classique. Le maniérisme annonce en quelque sorte le style baroque.

« Ce qu’on doit bien comprendre avec le maniérisme, c’est qu’il a une dimension ludique, le paradoxe maniériste étant très souvent un jeu. » Daniel Arasse

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Son histoire, ses idées clés

Apparu dans les années 1520, le maniérisme – qui signifie manière ou style – s’écarte de la représentation classique et mathématique pour ériger l’artificialité en principe fondateur d’une nouvelle esthétique. Art profondément subjectif, il est en quête d’expressivité plus que d’harmonie. Ce changement d’état d’esprit est lié à la fois à la disparition du plus grand peintre de la génération précédente, Raphaël, mais aussi à l’évolution du temps. L’ordre religieux se fissure et l’époque annonce un schisme entre les catholiques et les protestants. L’autorité papale perd de son influence et laisse la porte ouverte à une plus grande diversité d’expression des images religieuses, l’iconographie dominante de la Renaissance. Le maniérisme prend fin en Italie dans les années 1580.

Le maniérisme se caractérise par une certaine exagération des formes et des proportions, ce qui donne aux personnages un aspect irréel. Les artistes privilégient la ligne serpentine (en S), mais aussi une véritable théâtralisation de la mise en scène, au moyen d’un éclairage fortement contrasté et de l’éloquence des gestes. Leurs œuvres confinent à l’étrangeté.

Florence fut la capitale du maniérisme italien. De tous les artistes à adopter cette manière, Bronzino, élève de Pontormo, est le plus connu et l’un des plus originaux. Il fut peintre officiel de la cour de Cosme I^er de Médicis. L’art de Bronzino se caractérise par sa palette privilégiant les couleurs claires et les tonalités parfois acides. Peintre de sujets religieux et allégoriques, il s’est également illustré dans l’art du portrait aristocratique.

Le peintre Giuseppe Arcimboldo incarne lui aussi l’esprit maniériste, avec ses allégories fantastiques inspirées de la nature. L’auteur des Quatre Saisons est à l’origine de véritables rébus visuels. La nature, sous son pinceau, n’est plus nature morte mais bien vivante !

Le maniérisme a parfois été perçu comme un art de décadence, d’imitation dénaturée des grands artistes de la Renaissance. Il est vrai que l’art de Raphaël, de Michel-Ange (notamment les décors de la chapelle Sixtine, 1512) et de Léonard de Vinci, considérés comme l’expression d’un aboutissement esthétique, ont exercé une grande influence sur ces peintres. Cependant, les maniéristes ne furent pas de simples suiveurs. Ils ont mené une véritable quête d’originalité, nourrie par leur grande culture littéraire, à destination d’un public élitiste.

Le goût pour le maniérisme s’est diffusé dans le reste de l’Europe, en particulier dans les Flandres (notamment à Anvers). On trouve également trace de cette influence en France, à travers l’École dite de Fontainebleau, grâce à la présence à la cour de François I^er de Rosso Fiorentino et du Primatice.

Quelques œuvres maniéristes

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Agnolo Bronzino, Portrait d’une dame en rouge, 1525–1530

L’identité du modèle de ce portrait peint par Bronzino, peintre officiel de la cour de Toscane, est malheureusement inconnu. Mais il est certain qu’il s’agissait d’une aristocrate (comme le montre la richesse de ses atours). L’œuvre relève du courant maniériste par sa préciosité, sa dimension allégorique (froide comme le marbre, la figure semble être une allégorie de vertu), l’illusionnisme des étoffes, la carnation très pâle du modèle (autre caractéristique des portraits maniéristes). Il s’agit manifestement d’une œuvre réalisée pour un commanditaire fortuné, ne serait-ce qu’en raison du choix de représenter le modèle dans une ample robe rouge, un pigment particulièrement coûteux à fabriquer à cette époque.

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Parmigianino (en français Le Parmesan), La Vierge au long cou, 1534–1535

Avec son corps exagérément élancé, cette vierge correspond tout à fait au canon maniériste. Son long cou pourrait évoquer celui d’un cygne. L’Enfant-Jésus présente également une physionomie hors normes, disproportionnée, et il apparaît installé d’une façon bien instable sur les genoux de sa mère. L’artiste a renforcé le sentiment d’étrangeté et de surnaturel en associant le duo divin à des figures angéliques de plus petite taille. Cette œuvre a été commandée pour une église de la ville de Parme, dont l’artiste était originaire.

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Giuseppe Arcimboldo, L’Automne, 1563

Ce tableau appartient à une série sur le thème des quatre saisons commandée au peintre par l’empereur Maximilien II de Habsbourg. L’allégorie de la troisième saison de l’année prend la forme d’un homme barbu d’âge mur. Le raisin tient une place prépondérante dans la physionomie du personnage. Arcimboldo fut considéré par ses contemporains comme un peintre particulièrement fantaisiste. En raison de leur bizarrerie, ses œuvres pouvaient aisément rejoindre le cabinet de curiosité d’un amateur de son temps, où l’on appréciait de collectionner des espèces curieuses issues du monde végétal, minéral et marin.