No future ? Le Centre Pompidou-Metz imagine un autre avenir avec 40 artistes

Pour une fois, il n’y a pas de parcours imposé, pas de sens de visite. On peut débuter l’exposition par la droite ou par la gauche, se perdre entre les œuvres. Mine de rien, cette idée est essentielle, et marque d’emblée l’originalité de la démarche du commissaire Manuel Borja-Villel, historien de l’art passé par la direction de la Fundació Antoni Tàpies à Barcelone (1989–1998), du musée d’Art contemporain de Barcelone (1998–2007) et du musée Reina Sofía à Madrid (2008–2023).

Influent, admiré, l’homme tâche de faire du musée un espace « social et sociétal », capable de résistance, et plaide pour un profond décloisonnement de la pensée contemporaine, notamment via la décolonisation des esprits. Le commissaire décrit l’exposition comme une « cartographie » avec « plusieurs centres ». Il explique qu’il n’y a pas de chapitre, aucun classement des idées et des artistes, réunis toutefois en constellations, en « groupes reliés les uns aux autres d’une manière assez fluide, sans qu’il y ait vraiment de rupture d’un artiste à l’autre ».

Des constellations d’artistes

Cette approche du parcours de l’exposition va de pair avec la réflexion du commissaire sur le temps, qu’il entend redéfinir comme non linéaire, en spirale : « Le passé et le futur s’entrelacent », précise-t-il, arguant que c’est ainsi que l’on pourra « imaginer la possibilité d’autres mondes, d’autres futurs ». Les artistes rassemblés réfléchissent donc autour de la modernité, de la mémoire, du vernaculaire, des frontières, des représentations et de l’histoire.

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Ils sont d’origine cubaine (Wifredo Lam), marocaine (Ahmed Cherkaoui), brésilienne (Aline Motta), palestinienne (Ahlam Shibli) ; certains font partie de la diaspora, redéfinissent le monde en un vaste archipel, et « doivent continuellement naviguer entre de multiples niveaux de signification – qui peuvent inclure des éléments culturels d’avant-garde ou populaires – en interagissant avec différentes communautés ».

Des symboles d’une société secrète pour questionner la nature humaine

Dans cette idée d’interaction, on regardera par exemple les sublimes peintures de Wifredo Lam (1902–1982), qui font dialoguer le langage de la peinture moderne avec son identité afro-chinoise-cubaine. Tout comme les sculptures en bois peint de Rubem Valentim (1922–1991), qui associent des formes empruntées à l’abstraction concrète et géométrique à des motifs issus de la spiritualité et de la culture afro-brésiliennes.

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On s’attardera aussi sur le travail de gravure de la Cubaine Belkis Ayón (1967–1999), qui s’est penchée sur la société secrète afro-cubaine exclusivement masculine Abakuá, ses motifs et ses rites, pour produire des œuvres en noir et blanc dont les symboles énigmatiques convoquent des questionnements autour de l’héritage colonial ou de la question du genre. « Ce n’est pas parce que mon œuvre aborde des thèmes aussi spécifiques que les croyances, rituels et mythes de la société secrète Abakuá que celle-ci n’est dédiée qu’au peuple qui vit dans cette foi et la professe, expliquait-elle de son vivant. Ce qui m’intéresse par-dessus tout, c’est d’interroger la nature humaine – cette sensation éphémère, cette spiritualité à travers laquelle mon art sera susceptible d’être apprécié par un public universel (…). »

Brouiller les frontières pour faire émerger d’autres récits

Bien connue en France, la Canadienne Kapwani Kiwanga (née en 1978) présente, quant à elle, une large bannière bleue, laquelle « reprend un fragment d’une lithographie historique européenne, détaille dans le catalogue Alexandra Müller. Celle-ci illustre la révolte initiée par Vincent Ogé en 1790 contre les colons français, précédant le soulèvement massif des esclaves d’août 1791. Kapwani Kiwanga l’assemble à d’autres tissus pour créer une œuvre qui brouille les frontières entre drapeau national futuriste, artisanat vaudou, emblème religieux et tableau d’histoire. »

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Plus loin, une salle plongée dans l’obscurité héberge de délicates photographies sur caissons lumineux d’Abdessamad El Montassir (né en 1989), artiste-chercheur qui s’intéresse au Sahara. Ce désert est tout sauf un espace vide, affirme-t-il à travers ces images de plantes et ces paysages complexes parcourus, selon l’autrice Beatriz Martínez Hijazo, de « flux de conscience nomade, métaphores de dépossession ».

L’artiste « illumine certains vides de la mémoire collective et déploie ainsi une cartographie personnelle, alternative aux dispositifs et récits qui émergent du discours officiel ». Voilà toute l’idée de cette exposition : donner à voir et entendre d’autres récits. Pas pour entretenir le nouveau et très en vogue marché de l’art décolonial (dont les œuvres peuvent être, selon le commissaire, à leur tour « transformées en marchandise » et « interchangeables »), mais pour ouvrir l’imaginaire des visiteurs. Pour leur donner à penser à leur avenir, non comme une impasse mais comme un cycle de vie, qui est nourri par d’autres images que celles du monde capitaliste.