Pourquoi a-t-on donné au cœur cette forme ? Les secrets d’un symbole universel

« De deus cuers avez fet un » (« Vous avez fait un seul cœur de deux cœurs »). Comme jadis l’amour courtois du XII^e siècle, sous la plume de Chrétien de Troyes, nous avons tous l’image en tête : un cœur, ce sont deux moitiés qui s’unissent si profondément qu’elles ne font plus qu’une.

Mais comment est né ce symbole universel de l’amour ? Deux lobes qui se confondent et une pointe : qui lui a donné cette forme reconnaissable au premier coup d’œil ? La stylisation du cœur est le fruit d’une longue histoire aux influences multiples, entre mythologie, religion, esthétique et science.

Le lierre qui grimpe qui grimpe

L’histoire du cœur germe d’abord dans la Grèce antique où il s’épanouit dans la feuille de lierre, souvent peinte sur des poteries ou sculptée dans la pierre. Cette plante grimpante est associée à Dionysos, le dieu du vin, de la fête et des plaisirs. Les Grecs louent aussi le lierre pour sa longévité et sa résistance. Utilisée dans l’Antiquité comme contraceptif, la graine de silphium, désormais disparue, aurait également joué selon les historiens un rôle dans l’adoption de cette forme stylisée des arts grecs.

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Purement décoratif dans l’Antiquité, ce prototype végétal du cœur va se charger de connotations romantiques. Au Moyen Âge, on commence à l’associer à l’amour. Avant d’être charnel, le sentiment est d’abord divin. Dans leurs manuscrits, les copistes utilisent des feuilles à deux lobes pour orner les scènes de dévotion ou d’adoration. Même s’ils restent rares, ces motifs enluminés commencent à pousser dans les livres d’heures, destinés à la prière.

Les lobes flamboyants du Moyen Âge

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Progressivement, le Moyen Âge qui l’a adoubé, donne au cœur sa forme canonique. Au lieu du haut, on inverse la pointe vers le bas, et on lui donne davantage de symétrie. Des 1340, des manuscrits comme Le Roman d’Alexandre montrent des cœurs stylisés proches de leur aspect actuel. Pour mieux symboliser le sang et la vie, le cœur humain est peint en rouge, tel le flamboyant organe de Sainte Catherine de Sienne échangeant son cœur avec le Christ.

La Renaissance achève le dessin. Léonard de Vinci, en bon génie qu’il était, étudie le cœur sous toutes ses coutures avec une rigueur scientifique et anatomique. Il tranche dans le vif, comme d’autres artistes de l’époque, en disséquant des cadavres récupérés à la morgue. Les artistes italiens vont accentuer la carnation carmin, pourpre, et jouer la carte de la dramaturgie qui relie le cœur au sang et à la passion.

L’organe palpitant des émotions

Face à l’œuvre, le spectateur doit ressentir un coup de foudre ! À partir du XIX^e siècle, le cœur romantique est partout, surgissant sur divers supports, allant des jeux de cartes coquins aux tableaux passionnés de Delacroix ou William Blake en passant par les objets d’art ou la joaillerie. Il devient l’organe palpitant des tumultes émotionnels, cristallisant particulièrement la souffrance. Le cœur est enfin le réceptacle des désirs sexuels – cachez cette forme qui flirte avec une poitrine généreuse ou une paire de fesses…

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Symbole culte au XX^e siècle, le cœur continue de palpiter dans l’œuvre autobiographique d’artistes tels Frida Kahlo, Niki de Saint de Phalle ou les Américains Keith Haring ou Jim Dine, pour ne citer que quelques noms que ce motif a fait chavirer. Plus personnel, ce dessin à deux lobes s’est chargé d’une aura entre lutte, courage ou résilience, des valeurs universelles. C’est aussi cela avoir du cœur aujourd’hui.