Les 20 plus belles expos de la rentrée

1. Black Indians Power

Chaque année, à l’occasion du carnaval de La Nouvelle-Orléans, en Louisiane, parée de costumes éblouissants et de coiffes de plumes d’autruches pesant des dizaines de kilos, la communauté afro-américaine défile aux sons des percussions, des chants et de rythmes de jazz afin d’honorer la mémoire des Indiens ayant accueilli les esclaves fugitifs et saluer leur courage pour avoir résisté à l’oppression blanche. En plongeant au cœur des traditions culturelles des « Black Indians », le musée Civilisations / Histoires du quai Branly retrace trois siècles de résistance contre la domination raciale et sociale, de la découverte du « Nouveau monde » par les explorateurs anglais et la colonisation française à l’édification des États-Unis d’Amérique, ses lois ségrégationnistes et thèses suprématistes, auxquelles les parades spectaculaires organisées dans l’espace public opposent le pouvoir des cultures déracinées.

Par Daphné Bétard

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2. Des natures mortes belles et bien vivantes

Après un essai lumineux intitulé non sans malice Pour en finir avec la nature morte (2020), l’historienne de l’art Laurence Bertrand Dorléac faisait exploser le cadre imposé par sa discipline à ce genre trop longtemps réduit à une belle composition figée dans le temps, pour l’inscrire dans un dialogue entre « le vivant et le non-vivant, entre nous et les choses, entre le présent et le passé, entre ce qui reste et ce qui n’est plus ». L’exposition dont elle assure le commissariat au Louvre en est l’incarnation probante. Chefs-d’œuvre signés Giuseppe Arcimboldo, Clara Peeters, Francisco de Zurbarán, Louise Moillon ou Jean Siméon Chardin, ready-made délirant de Marcel Duchamp et objet surréaliste de Meret Oppenheim, versions modernes de Giorgio de Chirico ou Joan Miró, visions troublantes de Nan Goldin et Ron Mueck : dans un parcours mêlant les époques et les styles, où il est question aussi bien d’écologie politique que d’esthétique, l’historienne de l’art nous éblouit et nous éclaire sur la nature existentielle des choses.

Par Daphné Bétard

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3. Splendeurs et merveilles des princes électeurs de Saxe

Depuis le XVI^e siècle, des générations d’amateurs se sont succédé à Dresde pour découvrir sa Kunstkammer (« chambre des merveilles » ou « cabinet d’art ») – l’une des premières collections européennes ouvertes au public –, avec ses mille et une curiosités naturelles, artistiques ou scientifiques accumulées par les princes électeurs de Saxe. Une certaine vision du monde, présentée à Paris grâce au prêt exceptionnel de 200 pièces issues des musées de Dresde, aujourd’hui dépositaires de ces fabuleux trésors.

Par Sophie Flouquet

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4. Poussin plein d’amour ?

Il est le peintre philosophe par excellence, éminent représentant du classicisme français, qui domina le Grand Siècle par la grâce vertueuse de ses tableaux érudits et complexes, destinés aux gens d’esprit. D’ailleurs, Nicolas Poussin (1594–1665) ne demandait-il pas lui-même à ses commanditaires de « lire » ses toiles, afin d’y voir non une imitation de la nature mais de purs concepts ? Loin de ces considérations, prenant l’histoire de l’art à contre-courant pour s’adonner aux plaisirs de l’acte créateur et dévoiler l’iconographie licencieuse qui se cacherait dans sa peinture, le musée des Beaux-Arts de Lyon nous offre un portrait inédit de Poussin, révélant comment certains de ses tableaux furent mutilés, découpés voire détruits, car jugés trop érotiques ! À travers le thème de l’amour, il révèle un artiste sensuel qui se fit d’abord remarquer pour l’hédonisme de ses scènes mythologiques et explora jusqu’à la fin de sa carrière les ressorts tragiques de la passion.

Par Daphné Bétard

5. Un oiseau de nuit nommé Sickert

Énigmatique, provocant, en marge des courants de la modernité, l’œuvre peint de Walter Richard Sickert (1860–1942) est à l’honneur au Petit Palais. Élève de James Whistler, l’artiste britannique se plonge dans l’univers du spectacle vivant, de l’opéra, du music-hall ou du cirque, qui lui inspirent des tableaux sophistiqués jouant sur les contrastes entre une scène en pleine lumière et des spectateurs plongés dans l’ombre. Sa maîtrise troublante du clair- obscur atteint son paroxysme dans des huis clos dérangeants, sinon criminels, où des femmes, affairées à des tâches quotidiennes, offrent, sans le savoir, leur nudité crue au spectateur, devenu voyeur malgré lui. À n’en pas douter, l’étrange Monsieur Sickert sera l’une des révélations de cet automne.

Par Daphné Bétard

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6. Füssli, du romantisme noir au fantastique grotesque

Allongée sur le dos, les yeux clos, la tête renversée, à deux doigts de tomber de son lit, une jeune femme diaphane aux formes sensuelles connaît un sommeil agité. Sans doute à cause des deux créatures monstrueuses, probables incarnations de ses angoisses, qui ont pris possession de son être, un troll juché sur son ventre et un cheval aveugle, ricanant, surgi d’une tenture pourpre semblable à un rideau de théâtre. Depuis sa création, en 1781, le Cauchemar de Johann Heinrich Füssli (1741–1825) n’a rien perdu de sa puissance d’évocation. Cette peinture connut même un tel succès, du vivant de l’artiste, qu’il en réalisa d’autres versions. L’une d’elles figure dans l’exposition du musée Jacquemart-André, qui est parvenu à réunir une soixantaine de tableaux du maître pour embrasser l’ensemble de sa carrière. Entre romantisme noir et fantastique grotesque, toutes ses thématiques sont abordées, des scènes mythologiques et bibliques aux sujets shakespeariens, représentations du rêve, apparitions sublimes, visions mélancoliques.

Par Daphné Bétard

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7. Le soleil a 150 ans !

Le Havre, 13 novembre 1872. Une brume enveloppe le paysage. Aux premières lueurs du jour, Claude Monet peint, depuis son hôtel, une vue qui allait marquer à jamais l’histoire de l’art moderne. Le titre du tableau, Impression, soleil levant inspira au critique Louis Leroy le terme d’impressionnisme pour désigner le groupe d’artistes rebelles partis peindre en plein air les sensations de la nature, plutôt que de courir les Salons officiels. L’heureux propriétaire de cette œuvre mythique, le musée Marmottan, lui rend hommage en réunissant à ses côtés quelques-unes des plus belles représentations de soleil levant, signées Dürer, Rubens, Le Lorrain, Turner, Courbet, Derain, Félix Vallotton, Edvard Munch, Otto Dix, Sonia Delaunay, Alexander Calder… Une promenade étincelante !

Par Daphné Bétard

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8. Munch, au-delà du Cri

Il est l’auteur du Cri le plus expressif et le plus célèbre au monde, repris, copié, détourné, y compris en emoji… Mais au-delà de cette icône et d’une poignée de chefs- d’œuvre symbolistes de ses débuts, qui connaît vraiment l’œuvre d’Edvard Munch (1863–1944) ? Moins d’un an après son ouverture à Oslo, le musée dédié au peintre norvégien a travaillé avec le musée d’Orsay pour révéler au public parisien toute la complexité de ce corpus. Créateur prolifique, Munch (prononcez « Mounk ») ne cessa de se renouveler au fil de six décennies d’une carrière qui débuta avec le symbolisme et s’épanouit au plus près de la nature – qu’il vente, qu’il pleuve, qu’il neige… Quand le temps le permettait, Munch travaillait même nu, en bord de mer, de fjord, dans des endroits régénérants tel Kragerø, véritable paradis terrestre où il soignait sa dépression après ses périodes d’excès, donnant naissance à des toiles d’une force viscérale.

Par Daphné Bétard

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9. Le génie des œuvres collectives

« Les œuvres importantes sont souvent le fruit d’une rencontre fortuite ou non, liée à un événement historique disruptif particulier ou à un moment fort d’amitié entre des artistes. Ces œuvres collaboratives nous enseignent souvent que 1+1 font 3. » Partant de ce constat, la conservatrice Blandine Chavanne et son complice l’artiste Jean-Jacques Lebel ont réuni au Mucem les expériences collectives qui ont jalonné et dynamité la création au XX^e siècle. À l’image des cadavres exquis surréalistes, des affiches déchirantes de Raymond Hains et Jacques Villeglé, des folies douces du trio formé par Yves Klein, Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely, des écritures croisées de William Burroughs et Brion Gysin, du Grand Tableau antifasciste collectif créé en 1960–1961 par Lebel, l’Islandais Erró et les Italiens Enrico Baj, Roberto Crippa, Gianni Dova et Antonio Recalcati… Autant de propositions salvatrices en ces temps d’individualisme forcené.

Par Daphné Bétard

10. Le style mythique d’une artiste magnétique

Exposés avec des films et des photographies de l’artiste, les effets personnels de Frida Kahlo forment un récit poignant de sa vie, exceptionnelle à tout point de vue. De ses bijoux à ses corsets (elle en eut une vingtaine), tout son univers intime se révèle, comme sorti de ses peintures. Le Palais Galliera propose de prolonger l’expérience fantasmatique avec une exposition capsule – programmée jusqu’au 31 décembre – qui rassemble des créations de couturiers inspirés par la peintre mexicaine. Featuring Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier, Riccardo Tisci (Givenchy), Maria Grazia Chiuri (Dior), Rei Kawakubo (Comme des garçons)…

Par Natacha Nataf

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11. Joan Mitchell / Claude Monet : un dialogue hypnotique

Des touches de couleurs spontanées, parfois nerveuses, d’autres plus dissolues, font vibrer la toile, aspirant l’œil du spectateur, selon un procédé optique qui lui échappe, pour l’immerger dans un paysage sans limites ni horizons. Comme bon nombre de ses frères et sœurs de l’expressionnisme abstrait, Joan Mitchell (1925–1992) a regardé de près l’œuvre tardive de Claude Monet (1840–1926), celui des Nymphéas et des expérimentations visuelles à la lisière du non-figuratif, pour développer elle aussi une œuvre faite de pures sensations. Démonstration dans les vastes espaces de la fondation Louis Vuitton qui fait dialoguer les grands formats des deux artistes, créant des correspondances visuelles hypnotiques. Passé le choc esthétique, une rétrospective réunissant une cinquantaine d’œuvres permet de faire plus ample connaissance avec l’univers complexe et intense de l’artiste américaine qui résumait ainsi son travail : « Ma peinture est abstraite, mais c’est aussi un paysage ».

Par Daphné Bétard

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12. Alice Neel, une peintre hors normes redécouverte par les social studies

Voilà bientôt quarante ans qu’elle est morte, quasi oubliée. Il faut reconnaître que, résolument figurative, Alice Neel (1900–1984) évoluait à contre-courant ! Mais depuis une dizaine d’années, cette peintre hors normes a rejoint le panthéon de l’art américain, grâce au mouvement impulsé par les féministes et les social studies. On redécouvre enfin ces visages qu’elle nous force à affronter, vibrants personnages tirés de son quotidien au sein du New York populaire, de Greenwich Village à Spanish Harlem : une Comédie humaine version Manhattan. À travers 75 toiles et dessins, cette première grande rétrospective en France dévoile le regard militant de cette adhérente au parti communiste et à la cause féminine. « En politique et dans la vie, j’ai toujours aimé les perdants, les outsiders. Cette odeur de succès, je ne l’aimais pas », déclarait-elle. De ses premières œuvres peintes à Cuba à la fin des années 1920 à ses dernières toiles, Alice Neel n’avait qu’un dessein : épingler la ségrégation raciale, les discriminations à l’encontre des femmes comme des homosexuels, et donner un visage à ces luttes.

Par Emmanuelle Lequeux

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13. L’hyperréalisme, une veine à fleur de peau

Après Bilbao, Canberra, Rotterdam, Liège, Bruxelles et dernièrement Lyon (la Sucrière), les maîtres de l’hyperréalisme font escale à Paris. Incarnation du mythe de Pygmalion, ces héritiers de la statuaire antique et des corps torturés de la sculpture chrétienne gothique autant que des modèles anatomiques en cire du XVIII^e siècle et de l’expressivité bouleversante des Bourgeois de Calais d’Auguste Rodin présentent une quarantaine d’œuvres au musée Maillol.

Par Daphné Bétard

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14. Cyprien Gaillard dans le désordre des villes

Retour en force de Cyprien Gaillard, dont l’ascension avait marqué la décennie 2010. La ville et ses désordres : le plasticien devenu star à Berlin travaille toujours sur les obsessions de ses débuts, au fil de cette exposition en deux chapitres. Alors que Paris se refait une beauté à coups de chantiers en vue des JO de 2024, Cyprien Gaillard s’attache à dévoiler ce qu’il reste de désordre et d’imprévu dans la capitale. Humpty Dumpty, c’est ce personnage en forme d’œuf, tiré de De l’autre côté du miroir de Lewis Carroll : tombé d’un mur, jamais il ne reviendra à sa forme d’origine. Une parabole parfaite de l’entropie dont cet admirateur de Robert Smithson a fait le cœur de son œuvre. Comment une ville lutte-t-elle contre le travail du temps ? Au Palais de Tokyo, Humpty Dumpty explore les territoires oubliés, les architectures comme corps vieillissants. À Lafayette Anticipations, l’artiste réanime une sculpture oubliée dans le désordre de l’espace public, comme il l’a déjà fait : l’horloge automate le Défenseur du Temps, œuvre de Jacques Monestier inaugurée en 1979 dans le quartier de l’Horloge, aujourd’hui abandonnée aux pigeons. Cassé depuis 2003, son mécanisme trouvera-t-il un second souffle pour redonner le temps ?

Par Emmanuelle Lequeux

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15. L’art est-il un roman d’anticipation ?

« La science-fiction, c’est l’art du possible », déclarait l’un des maîtres du genre, l’écrivain Ray Bradbury, auteur du cultissime Fahrenheit 451. Le Centre Pompidou-Metz l’a pris au mot et réunit en son sein ces créateurs, écrivains et artistes, architectes et cinéastes, qui ont exploré la voie de l’anticipation critique et engagée, soulignant les failles de notre société. Abordant les problématiques qui secouent le monde actuellement, les 180 œuvres réunies, des années 1960 à nos jours (Anita Molinero, Larissa Sansour, Zanele Muholi, Wangechi Mutu, Marguerite Humeau, Laurent Grasso, Kapwani Kiwanga…) nous ouvrent les portes de nouveaux possibles, inimaginables, sidérants, entraînants.

Par Daphné Bétard 

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16. Christian Marclay : images et musiques ardentes

Parce qu’il ne joue d’aucun instrument, Christian Marclay a choisi les images pour composer ses musiques. Symphonie pour extraits de films, variations sur thriller hollywoodien : la mémoire du cinéma sert d’inépuisable archive à ce grand expérimentateur, à qui l’on doit un des chefs-d’œuvre de la décennie passée, The Clock,
d’une durée de 24 heures. Plasticien de la musique, musicien des arts plastiques, Marclay se sert des images comme de notes. Il joue du silence autant que de notre mémoire cinématographique, il compose avec le bruit plus qu’avec les harmonies. Nourri par le mouvement punk et la poésie de Fluxus, il se réinvente à chaque œuvre, comme le prouve avec éclat cette palpitante exposition qui dévoilera son tout dernier opus, Doors. Assemblages d’objets, installations à base de vinyles, photos, estampes, peintures, films, concerts et performances, sa production n’a pas de frontières. Le Centre Pompidou rassemble quelques-uns de ses hits : Surround Sounds (2014–2015), digression autour des onomatopées des comics et mangas, Subtitled (2019), déroutant collage vidéo de sous-titres en provenance de multiples films, ou encore Video Quartet (2002), hommage sur quatre écrans aux musiques de films. Et, bien sûr, Guitar Drag (2000), vidéo dans laquelle il fait hurler une guitare traînée au sol par une camionnette : un insoutenable blues en référence aux lynchages perpétués jusqu’aux années 1960 dans le sud des États-Unis.

Par Emmanuelle Lequeux

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17. Quand Patti Smith rencontre Rimbaud, Artaud et Daumal

On sait ses incantations, et la flamme qu’elle met dans ses concerts. Mais Patti Smith a mille autres talents. Photographe, muse, poétesse, elle offre au Centre Pompidou une vaste installation immersive, autour de trois de ses amours : Antonin Artaud, Arthur Rimbaud et René Daumal. En compagnie de Stephan Crasneanscki, qui a inventé avec le collectif Soundwalk une nouvelle façon d’explorer les sensations à travers le son, elle est partie sur les traces des trois écrivains afin de composer un triptyque d’albums. Leur poétique enquête les a menés dans la Sierra Tarahumara au Mexique, sur les montagnes de l’Abyssinie éthiopienne, jusqu’au sommet de l’Himalaya. Tentant de réveiller le souvenir des poètes au sein des paysages qu’ils ont arpentés, chacun de ces albums est un voyage métaphysique. Le visiteur du Centre Pompidou est invité à son tour à faire ce périple, à travers un mix de photos et textes de Patti Smith, de vagues sonores et de documents d’archives. Une installation ou une illumination ?

Par Emmanuelle Lequeux

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18. Des années 1980 à chiper à choper !

Plongée dans les années Mitterrand, avec sa politique culturelle volontariste, ses excentricités, mais aussi les ravages du sida… Sur un air de Starshooter ou de Lio, vêtu en Marithé + François Girbaud ou en Claude Montana, assis sur une chaise Starck ou Garouste et Bonetti : il y en aura pour tous les goûts… Le MAD orchestre le grand revival des eigthies françaises, axant son propos sur le design, le graphisme et la mode… Des années plus que fertiles qui, en termes de style, sont celles du carambolage et du télescopage. Réjouissante nostalgie en perspective, prolongée par un focus sur Étienne Robial, le graphiste star de Canal+, Métal Hurlant et les Inrockuptibles.

Par Sophie Flouquet

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19. Erwin Blumenfeld sans filtre

Né à Berlin en 1897 dans une famille juive allemande, Erwin émigre clandestinement à 21 ans à Amsterdam, où il participe au mouvement Dada. Comme l’Américain Man Ray avant lui, il rejoint Paris, capitale de l’avant-garde, en 1936. Il ouvre un studio à Montparnasse, et très vite se fait un nom. Ses expérimentations formelles, proches de l’abstraction, tapent dans l’œil de Cecil Beaton qui le présente au directeur artistique de Vogue : sa carrière est lancée mais la guerre en décide autrement. Réfugié à Vézelay, qualifié d’« étranger indésirable » à partir de mai 1940, il sera interné dans un nombre invraisemblable de camps en France mais aussi au Maroc, d’où il sera finalement exfiltré en août 1941. À son arrivée à New York, Blumenfeld est aussitôt engagé par Harper’s Bazaar, magazine pour lequel il réalisera nombre de couvertures historiques en couleurs. Autant de « tribulations » que le Mahj choisit de raconter en 180 photographies (dont deux séries inédites), avec la complicité de la petite-fille de l’artiste.

Par Natacha Nataf

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20. Gargantuesque Garouste

Deuxième rétrospective de Gérard Garouste au Centre Pompidou, après celle de 1988, l’exposition réunit 120 tableaux majeurs, souvent de très grand format, mais aussi installations, sculptures et œuvres graphiques de l’artiste, sous la houlette de la commissaire Sophie Duplaix. De quoi saisir toute la production du peintre, où se télescopent sa propre histoire et ses préoccupations pour les questions du temps et de la transmission, ses références littéraires et familiales, dans des toiles mêlant portraits et étrange bestiaire, aussi inquiétantes que joyeuses.

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Paru dans Beaux Arts Magazine n°459 en Septembre 2022