Caillebotte, surréalisme, Ribera… Les 25 expos les plus attendues de la rentrée en France

Qui dit rentrée, dit nouvelles expositions ! Et, cette année, la programmation est pleine de surprises. Art moderne ou contemporain, sculpture, dessins, installations et même expériences immersives… Il y en a pour tous les goûts !

Rendez-vous au musée Bourdelle pour un face-à-face entre les maîtres Rodin et Bourdelle ou au Palais des beaux-arts de Lille pour découvrir l’univers de Raphaël sous toutes ses coutures ! Pour les fans de la série The Walking Dead, faites un saut au musée du quai Branly pour une expo inédite sur les zombis. Rendez-vous aussi au musée d’Arts de Nantes pour revenir sur la grande épopée des paquebots. Embarquement immédiat !

1. Au musée d’Orsay, un Caillebotte très viril

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Gustave Caillebotte (1848–1894) a été exposé sous différentes facettes, tant dans son rôle de collectionneur que pour sa passion pour la photographie et les jardins… Le musée d’Orsay fait là un pas de côté, en explorant un sujet vierge : la figuration des hommes dans sa peinture. Des célébrissimes Raboteurs de parquet au Jeune homme à sa fenêtre, le sujet masculin est en effet très présent. Les commissaires avancent une explication à cette prédominance : « À l’époque du triomphe de la virilité et de la fraternité républicaine, mais aussi de la première crise de la masculinité traditionnelle, la nouveauté et la puissance de ces images questionnent aussi bien l’ordre social que sexuel. Au-delà de sa propre identité, celle de jeune et riche célibataire parisien, Caillebotte porte au cœur de l’impressionnisme et de la modernité une profonde interrogation sur la condition masculine. » L’exposition s’avère passionnante ! SF

2. Au Petit Palais : Ribera, le plus radical des caravagesques

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Venu d’Espagne pour tenter l’aventure romaine, attiré par les lumières de la ville papale et ses bas-fonds ténébreux hantés par les ombres sulfureuses de Caravage, José de Ribera (1591–1652) incarne au mieux cette génération de jeunes peintres qui reprend à son compte les innovations du maître du clair-obscur pour trouver sa propre voie, allant parfois jusqu’à le surpasser. Arrivé à Rome à 17 ans puis parti faire carrière à Naples, il exécute, sous l’éclairage latéral tout en contrastes de son atelier, des peintures au réalisme radical où chairs et objets se révèlent dans leur vérité crue. Démonstration au Petit Palais qui offre à l’artiste sa première rétrospective française à coups de chefs-d’œuvre et en regard des dernières découvertes de l’histoire de l’art. L’occasion aussi de découvrir la production graphique d’un des rares caravagesques à avoir laissé à la postérité des dessins et gravures. DB

3. Au musée Picasso, un autre Pollock

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On connaît le héraut, et héros, de l’abstraction expressionniste d’après-guerre… Mais beaucoup moins le Pollock des débuts. Retour sur la première décennie du célèbre Américain, de 1938 aux « drippings » de 1947. Où l’on découvre un artiste marqué par l’influence réaliste de son grand frère Charles, remis en lumière depuis quelques années, et des muralistes mexicains, tout aussi engagés. Autre évocation, la fascination qu’exercent sur lui Picasso, ici son hôte, et les tableaux de sable de Masson. Peinture, mais aussi gravure et sculpture, un autre Pollock se révèle, entouré du collectionneur John D. Graham, qui le défendit dès ses débuts, et de son épouse (et grande peintre !) Lee Krasner. EL

4. Au musée Jacquemart-André, comme un air romain

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Ce n’est certes qu’un extrait, mais il est vivifiant ! Un Raphaël, un Caravage mais aussi des peintures signées Botticelli, Ghirlandaio, Véronèse ou Titien, autant d’œuvres qui viennent illustrer les goûts très éclectiques du cardinal, réunies cet automne dans le musée du Triangle d’or. Qui rouvre après des travaux ayant porté sur le réaménagement et la végétalisation de sa cour intérieure, la rénovation de son salon de thé (et de son plafond Tiepolo) et de son fumoir, dont l’accrochage a été totalement revu, avec la sortie des réserves d’un Reynolds et d’un Gainsborough. SF 

5. Au musée du Louvre, un vent de folie

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Dans un bateau à la dérive, un moine franciscain et une nonne chantent et jouent du luth (symbole de l’inspiration mais aussi de la luxure) en compagnie de joyeux drilles éméchés et d’un simple d’esprit perché sur une branche. Laissez-vous embarquer par le Louvre à bord de la Nef des fous, seule œuvre du génial Jérôme Bosch (vers 1450–1516) en sa possession, pour un voyage délirant au cœur de l’imaginaire médiéval. Où quelque 300 œuvres (peintures, sculptures, vitraux, enluminures, objets d’art) dessinent un portrait complexe et multiforme du fou, ce personnage incontrôlable, omniprésent dans les romans de chevalerie, les carnavals et à la cour du roi où il dit tout haut ce que tout le monde pense tout bas. DB

6. À la fondation Louis Vuitton, on se demande ce qu’est le pop art…

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En figure centrale de cet accrochage pétillant, on trouve l’un des maîtres du mouvement, Tom Wesselmann (1931–2004). 150 de ses œuvres composent un panorama riche de sa carrière, de ses premiers collages de la fin des années 1950 à ses Sunset Nudes matissiens de 2004, en passant par les formats inédits (en trois dimensions) de ses Standing Still Lifes. Mais l’exposition contextualisera aussi « l’œuvre de Wesselmann dans l’histoire de l’art et offrira des perspectives passionnantes sur le pop art, au passé, au présent et même au futur », promettent les commissaires Dieter Buchhart et Anna Karina Hofbauer. L’entourent ainsi ses maîtres Dada, Kurt Schwitters ou Marcel Duchamp, ses contemporains Claes Oldenburg, Meret Oppenheim ou Evelyne Axell, mais aussi des générations plus récentes représentées par Sylvie Fleury, Mickalene Thomas ou Ai Weiwei. Soit 35 artistes qui ont le pop art en partage. EL

7. À Lyon, le miracle Zurbarán

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Le plus mystique des peintres du Siècle d’or espagnol, Francisco de Zurbarán (1598–1664) vient illuminer le musée des Beaux-Arts de Lyon avec ses visions fulgurantes traduisant l’intensité de l’ascétisme monastique dans un réalisme ténébreux. L’établissement a réussi le petit miracle de réunir les trois versions peintes de son Saint François debout momifié (le tableau issu de sa collection et les deux autres conservés au musée d’Art ancien de Catalogne à Barcelone et au Museum of Fine Arts de Boston) pour une confrontation lumineuse où se révèlent toutes les nuances et subtilités d’une création iconique qui, entourée ici d’œuvres du XVI^e siècle à aujourd’hui, n’a cessé d’inspirer les artistes. DB

8. Au Centre Pompidou, un labyrinthe pour revisiter l’univers surréaliste

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Riche de (re)découvertes, cette exposition nous invite à pénétrer toujours plus profondément dans le labyrinthe de l’inconscient surréaliste. Au fil de son parcours en spirale, elle offre une relecture très contemporaine du mouvement, faisant la part belle aux artistes femmes mais aussi à l’internationale surréaliste, deux aspects trop longtemps négligés. À noter, nombre de galeries parisiennes offrent une programmation en écho à ce centenaire, par exemple une rétrospective Leonor Fini proposée par la galerie Minsky. EL 

9. À Lille, au plus près de Raphaël

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Raphaël (1483–1520) comme vous ne l’aurez jamais vu ! Le Palais des beaux-arts de Lille dévoile pour la première fois son incroyable collection de dessins du génie de la Renaissance, dont certains ont été récemment restaurés. Grâce à la réalité augmentée, l’exposition fait toute la lumière sur son processus de création, du dessin à la peinture, et reconstitue aussi les œuvres détruites ou perdues du maître. SdB

10. Au musée Marmottan Monet, la maestria de l’illusion

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Boilly est sans aucun doute l’un des plus grands maîtres du genre, même s’il n’en fut pas l’inventeur mais le plus ardent des défenseurs. L’histoire est connue : lorsqu’il expose vers 1800 ses premiers tableaux en trompe-l’œil, le peintre est violemment attaqué par la critique. Qu’importe, il y répond par une caricature figurant un âne et un cochon avec cette légende : « Artistes, voici vos détracteurs »… De fait, le genre fut promis à un grand succès, jusque dans l’art contemporain. Cette exposition tout en faux-semblants relate ainsi la grande histoire du trompe-l’œil, qui fut par ailleurs l’une des facettes méconnues du goût de Jules Marmottan et de son fils Paul, donateurs du musée. SF

11. À la Bourse de Commerce, l’éloge du peu

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Une exposition monstre pour célébrer l’un des mouvements les plus inspirants de la fin du XX^e siècle, et le plus chéri par la jeune création : honneur aux treize maestri de l’arte povera ! Sous la houlette de Carolyn Christov-Bakargiev, vibrante spécialiste de cette école qui n’en était pas une, Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Giulio Paolini, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto sont honorés d’autant de salles monographiques, sans oublier les figures moins connues : Pino Pascali, Marisa Merz, Emilio Prini et Gilberto Zorio. Sous la rotonde, leurs œuvres s’unissent, de néons et de feu, de bois et de gel, emportées par une alchimique énergie. S’ajoutant aux 50 œuvres appartenant à la Collection Pinault, plus de 200 autres viennent de toute l’Europe pour nous rappeler qu’une œuvre d’art n’est ni objet ni conquête de marché, mais geste, désir, souffle. Magistral ! EL

12. Au quai Branly, vers le royaume des morts-vivants

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Aux fans de la Nuit des morts-vivants, film culte de George A. Romero sorti en 1968, aux accros à la série The Walking Dead, le musée du quai Branly promet de faire toute la lumière sur ce phénomène entre science et croyances magico-religieuses. Les morts-vivants apparaissent dans la pratique du vaudou haïtien, qui prend ses racines dans les religions sub-sahariennes et que les colons européens découvriront au XVII^e siècle. Figures syncrétiques, ces corps morts et ces âmes errantes vont peu à peu essaimer dans l’imaginaire collectif mondial pour finir par s’épanouir dans la culture populaire, aux côtés des fantômes et autres vampires. PM

13. À la Cité des sciences et de l’industrie, Chauvet fête ses 30 ans !

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Découverte en Ardèche en 1994 dans un état de conservation exceptionnel, la grotte Chauvet s’est vite imposée comme un trésor de l’art pariétal du paléolithique. Son site est unique par sa beauté naturelle et ses extraordinaires décors : pas moins de 430 animaux répertoriés parent les murs de la caverne, qui ne se visite plus que par sa réplique. La Cité des sciences revient, en immersion, sur sa découverte et sur les enjeux scientifiques qui en découlent à travers le regard des chercheurs. SdB

14. À Lens, l’art déraciné

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Pour Victor Hugo, « l’exil est une espèce de longue insomnie ». Chez les artistes qui ont connu le déracinement, ce sentiment infuse leur œuvre. Des récits fondateurs et mythologiques jusqu’à la période contemporaine, l’exposition esquisse un portrait de l’art en exil, entre traumatisme de la perte et espoir d’un avenir radieux. Pour enrichir un propos déjà dense, une programmation pensée avec les habitants de la région permet d’aborder la question à travers une collecte d’objets et de témoignages, des spectacles de danse, de théâtre, et des visites sensorielles autour de la musique et de la cuisine. PM

15. Au Jeu de Paume, Chantal Akerman de A à Z

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En 2022, le film Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) de Chantal Akerman (1950–2015) a été nommé meilleur film de tous les temps par Sight and Sound, la revue du British Film Institute. En consacrant une rétrospective à cette artiste dont se réclament des personnalités comme Gus Van Sant, Lars von Trier ou Wang Bing, le Jeu de Paume revient sur l’une des figures essentielles du cinéma moderne. L’exposition, qui embrasse des médias aussi variés que le cinéma, la télévision, les écrits et l’installation, présente des images mais aussi des documents de production et de travail inédits provenant des archives d’Akerman. NW

16. À la MEP, une expo nature et contre-nature

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Longtemps, les artistes ont observé la nature d’un œil purement scientifique : la botaniste Anna Atkins a réalisé dès 1840 des photogrammes de fougères, Laure Albin Guillot a créé d’étonnantes micrographies de graines. Puis, notre rapport au vivant se complexifiant, ils ont eu à cœur de saisir les forces qui animent le végétal. Angelika Loderer introduit du mycélium de champignons dans ses épreuves afin qu’il les altère progressivement. Rebekka Deubner a photographié dans la région de Fukushima les algues qui ont proliféré après la catastrophe nucléaire. Certains artistes prennent désormais le parti de la fiction, comme Joan Fontcuberta qui invente de faux herbiers de plantes fantastiques à partir de détritus. C’est cette histoire à la fois scientifique et fantasmée du monde végétal que raconte une foisonnante exposition réunissant à la MEP une quarantaine de photographes et vidéastes. NW

17. Au musée Carnavalet : Terreur sur Paris

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Beaucoup a été écrit et montré sur la Révolution. Rarement une exposition s’était concentrée sur une seule année, et non des moindres. Soit l’an II du calendrier républicain, allant du 22 septembre 1793 au 21 septembre 1794 et correspondant à la Terreur. La Convention, élue pour élaborer une constitution, la diffère du fait de la situation extérieure. Les Montagnards instaurent alors la dictature. La période est riche de contradictions, entre utopies politiques et mesures d’exception qui pèsent sur la population. Fut-elle foisonnante d’un point de vue artistique ? Réponse en quelque 250 œuvres. SF

18. Au musée des Arts décoratifs de Paris, une sex–toys story

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Attention, sex–toys en série au musée des Arts décoratifs. Le MAD n’est pas devenu fou mais a choisi de consacrer ses espaces à une exposition inédite explorant les méandres de l’intime, de ses espaces consacrés à ses objets sacrés. À travers une série de thématiques, il y est donc question de l’histoire de la chambre et du lit, d’hygiène et de beauté, de sexualité également mais aussi de lieu de la rêverie, malgré les assauts des connexions et réseaux en tout genre lancés sur notre intimité… Un récit visuel en plus de 450 œuvres et objets divers. Alors préparez-vous à regarder par le trou de la serrure… SF

19. À Orléans, l’atelier de Guido Reni, ruche à chefs-d’œuvre

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Les cours européennes s’arrachaient ses peintures suaves et vibrantes au style complexe entre caravagisme et classicisme. Pour répondre à ses innombrables commandes, Guido Reni (1575–1642) gouvernait un atelier prolifique à Bologne qui, selon son premier biographe Malvasia, pouvait réunir jusqu’à 200 élèves et apprentis venus de toute l’Europe. Visite privée au cœur de ce haut lieu de la création, véritable ruche artistique où le maître butinait d’un tableau à l’autre, laissant aux plus doués le soin de parachever ses compositions. Avec, au cœur des réflexions, les différentes versions de David tenant la tête de Goliath qui a marqué au fer rouge la peinture occidentale du XVII^e siècle. DB

20. Au musée d’Art moderne de Paris, une exposition explosive !

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Alors que la peur nucléaire est sinistrement revenue à l’ordre du jour, le musée d’Art moderne de Paris nous rappelle combien cet imaginaire a traversé l’histoire de l’art récent. Les premières découvertes sur les mystères de l’atome inspirent les pionniers de l’abstraction, de Kandinsky à Hilma af Klint. Le souffle terrible d’Hiroshima et Nagasaki emporte dans des abysses de doute Lucio Fontana, Yves Klein ou Francis Bacon. Dans les années 1970, monte en revanche l’activisme des mouvements anti-nucléaires, rejoints par nombre d’artistes à l’instar de Gustav Metzger. D’échappées psychédéliques en archives tragiques venues du Japon, 250 œuvres atomisent nos cœurs. EL

21. À Nantes : passion transat

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Pendant trois décennies, ils furent tout autant des machines à rêve – de modernité – que le lieu d’invention d’un certain art de vivre, ô combien luxueux, où s’élabora notamment l’esthétique Art déco. Nombreux furent les artistes à avoir vécu l’expérience hors du commun du voyage transatlantique (Duchamp, Le Corbusier…) ou à avoir œuvré pour la création des décors de ces palaces flottants (Jean Dunand), influençant la naissance d’un style croisière ou transat, dans la mode ou le mobilier. Cette exposition en deux temps, à Nantes puis au Havre (en 2025), revient sur la grande épopée des paquebots, véritables enjeux de compétition entre nations avant qu’ils ne soient supplantés par le voyage en avion, et sur tout ce qu’elle a apporté à la création. SF

22. Au musée Bourdelle : ça va sculpter !

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Rien ne pousse à l’ombre des grands arbres, vraiment ? Le musée parisien consacré au sculpteur Antoine Bourdelle (1861–1929) entend prouver le contraire en le confrontant à celui qu’il admirait et dont il fut le praticien pour la taille des marbres, Auguste Rodin (1840–1917), ogre génial de vingt ans son aîné. Un duel monumental en prise avec les enjeux plastiques de la modernité, sous les yeux grands ouverts de leurs contemporains Matisse, Brancusi, Giacometti, Richier, Chana Orloff… DB

23. À Lyon, une biennale monumentale

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Déménagement d’envergure pour la biennale qui investit les Grandes Locos, immense friche SNCF récemment désaffectée. Fidèle à son mantra, la commissaire de cette 17^e édition, Alexia Fabre (actuellement à la tête des Beaux-Arts de Paris), a misé sur une toute nouvelle génération d’artistes. Parmi ces jeunes espoirs, retenons le duo des Iraniennes Tirdad Hashemi & Soufia Erfanian ou la metteuse en scène Lorraine de Sagazan. Pour les entourer, des figures bien connues comme feus Chantal Akerman et Christian Boltanski, mais aussi Oliver Beer, Iván Argote ou Hans Schabus. Autre nouveauté, la collaboration avec la Cité internationale de la gastronomie. À suivre ! EL

24. À la Conciergerie, on est 100 % Bénin

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Dévoilé l’hiver dernier à la fondation Clément, sur l’île de la Martinique, ce panorama de l’art béninois traverse l’Atlantique pour enflammer les voûtes gothiques de la Conciergerie. Une belle évocation de la vivacité de cette scène, portée par les anciens comme Georges Adéagbo ou Meschac Gaba, et renouvelée fièrement par la jeune génération des Chloé Quenum ou Moufouli Bello, stars du pavillon du Bénin à la Biennale de Venise. EL

25. Au musée de l’Orangerie, de marchand à collectionneur

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Exilé en Californie dès 1936 pour fuir l’Allemagne nazie, Heinz Berggruen a combattu sous l’uniforme américain en 1942 avant de revenir en Europe au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, à Berlin d’abord puis à Paris, où il s’installe définitivement. Il y ouvre une première galerie d’art place Dauphine, puis une seconde rue de l’Université ; y côtoie les artistes – Picasso avec qui il se lie d’amitié –, les poètes et les écrivains. Pendant 40 ans, il aura aussi constitué l’une des plus grandes collections d’art moderne autour de ses artistes fétiches, Picasso donc, mais aussi Klee, Matisse ou Giacometti. Son musée berlinois étant en restauration, ses chefs-d’œuvre font le voyage cet automne à l’Orangerie. SdB

Paru dans Beaux Arts Magazine n°483 en Septembre 2024